먹에서 색으로, 평면에서 공간으로, 권기수의 죽림을 걷다
사비나미술관의 대규모 개인전 《색죽(色竹)-비선(飛線)》을 통해서 권기수의 작업세계는 또 한 번의 대대적인 전환을 맞이하고 있다. 전통 동양화의 묵죽을 현대적 색채의 색죽으로 전환시키고, 평면적 회화의 관계가 단일한 서사적 구조에 머무는 것이 아니라 공간 전체의 유기적인 통일성 속에서 전개되는 열린 형식 개념의 전시를 구성하였다. 문인화적 개념이 녹아 있던 기존의 주제에서 벗어나—특히 25년 동안 주요 모티브로 활용했던 동구리 캐릭터도 등장시키지 않고—오로지 색채와 형태 자체에 집중하여 평면적 질서, 벽과 공간의 해체적 융합, 아날로그 감성과 디지털적 구성의 유희를 통한 우리 시대의 몽유도원을 연출해 내었다.
먹 속에 오채(五彩)가 있다느니, 먹 속에 우주의 모든 색이 들어 있다는 전통적인 먹에 대한 개념을 역전시켜 먹에서 퍼져나온 오방색, 그들 간의 혼색인 오방간색(間色)을 500여 가지의 색으로 변주시킨 그 색채의 조합을 통해 구현된 색띠는 마치 대나무의 마디 무늬처럼 파편화되면서 수묵의 무거운 정신성을 경쾌하게 감각화시킨다. 여기서 우리는 선뜻 그의 작품 속에 만연한 대중친화적인 스토리텔링이나 팝적인 색채를 표피적으로 해석, 단순히 팝아트적이라는 카테고리에 묶으려는 오류를 범하기도 한다. 그러나 우리는 이번 다성적인 공간 속에서 회화와 디자인의 경계, 순수미술과 팝아트 간의 경계에 대한 권기수의 해체적 태도를 간파해야 한다. 팝적인 요소와 디자인적인 요소는 동일시될 수 없다. 우리 현실 속에서 팝아트라고 규정짓는 주요한 기준이란 거의 애니메이션이나 망가의 생략적인 단순 평면 이미지, 그리고 그로 인해 유추되는 캐릭터의 창조 같은 요소라고 할 수 있다. 그러나 그것은 팝아트의 영역을 축소 해석하고, 팝의 전략적인 정치학을 무시한 편견이다. 어찌보면 그것은 문인화의 정신성을 기본바탕으로 현대적이고 디자인적인 요소를 활용하여 우리시대의 표현방식과 어법으로 표현해낸 우리시대의 메타문인화라 할 수 있을 것이다. 따라서 ‘전통의 현대화’라는 표현보다는 동시대의 시스템으로 똑같이 만들어진 동시대적 언어의 그림, 다시 말해 현대미술 속에 녹아 있는 전통적인 맥락과 어원을 재발견하는 작업이라고 하는 것이 그의 작품을 이해하는 중요한 포인트가 될 것이다.
이번 전시에서 보여준 버티컬 커튼 월은 그의 작품에서 등장하는 다채로운 컬러의 대나무 이미지를 우리 실생활 속에서도 설치 가능한 버티컬 커튼의 양면으로 출력하여 만든 거대한 설치물이다. 일정 시간에 따라 개폐되는 버티컬 커튼이라는 기계적 메커니즘 속에서 색의 죽림은 이곳과 저곳, 안과 밖, 더 나아가 이승과 저승, 현실과 가상의 공간을 열고 닫으면서 경계와 구분, 차이와 구별을 해체하는 새로운 차원의 공간을 구축해 나간다. 예로부터 현실과 다른 비현실의 공간으로 작용했던 대나무 죽림칠현(竹林七賢)이 세상을 피해 들어갔던 유토피아의 공간 죽림의 역사적 맥락은 지금 우리의 현실 속으로 끌어온 것이다.
작가 스스로 ‘비선’이라 부른 선은 들뢰즈의 ‘탈주선(line of flight)’ 개념을 착안한 것으로 우리의 전통한옥 처마, 도자기, 버선 등의 상승하는 곡선, 공간으로 연장되며 흡수되는 선의 기운을 의미하는 것이기도 하지만, 나와 너(세계) 간의 경계와 구분을 확실히 하였던 근대적 시선의 분리적 구별적 태도를 해체하는 탈구축 선을 의미한다. 비선은 전통과 현대, 동양과 서양의 경계를 넘나들고 그 틈새를 만듦으로써 총체적이고 복합적인 구조 속에서 평면 회화의 새로운 가능성을 모색하게 도와준다. 근대적 의미의 이항대립적 요소가 비선을 통해 얽히고 뒤섞인다. 형식적이건 내용적이건 살아 있는 지금 이곳에 스며든 전통의 중의적 현현. 그것이 전통이 생명력을 획득하는 방법이다. 권기수는 지금 이순간의 한국화의 실존을 드러내고 그 속에서 전통의 정체성과 진실성의 흔적을 기억하고 기념하면서 진정한 전통과 현대 조화를 지속적으로 꾀하고 있다.
— 이건수(1965-) 서울대 인문대학 미학과 석사. 월간미술 편집장. 2014부신비엔날레 특별전 큐레이터. 2021·2023전남국제수묵비엔날레 총감독, 세종대 겸임 교수 역임. 『혼일 구하다』(컬처북스, 2010), 『Editorial』(북노마드, 2011), 『미술의 피부』(북노마드, 2017) 외 저술.
2. English Translation Walking Through Kwon Kisoo’s Bamboo Grove: From Ink to Color, From Plane to Space
Through Savina Museum’s large-scale solo exhibition Chromatic Verticals – Line of Flight, (色竹-飛線) Kwon Kisoo’s artistic world undergoes yet another sweeping transformation. Traditional Korean ink bamboo painting is reinterpreted as chromatic bamboo rendered through contemporary color, and the pictorial plane is no longer confined to a singular narrative structure. Instead, it unfolds within an expanded spatial system where the entire environment operates with organic cohesion. Departing from themes associated with literati painting—and notably omitting the “Dongguri” character that served as a central motif for 25 years—the artist focuses solely on color and form, generating a new dreamlike garden of our time through planar reordering, spatial dissolution, and the interplay between analog sensibility and digital composition.
Classical discourse often claims that “five colors reside within ink,” or that ink contains all colors of the universe. Kwon overturns this lineage by expanding the five directional colors (obangsaek) and their intermediary hues into more than 500 tones. The resulting chromatic bands fragment like bamboo nodes, transforming the solemn spiritual weight of traditional Korean ink into something sensorial and buoyant. It is tempting—and mistaken—to categorize his colorful palette or narrative-friendly elements as pop art. Instead, we must understand Kwon’s deconstructive position toward the boundaries between painting and design, fine art and pop. Pop elements and design elements are not interchangeable. Pop art in contemporary discourse is too often reductively equated with the simplified flatness of animation or manga and the derivative creation of characters. Such an interpretation reduces pop art and ignores its political strategies. In fact, Kwon’s work may more accurately be described as a meta-literati painting: grounded in the spirit of traditional literati aesthetics while articulated through contemporary modes of design and expression. Thus, rather than the “modernization of tradition,” his work is a rediscovery of traditional contexts and genealogies as they persist within contemporary art.
The vertical curtain-wall installation in this exhibition prints Kwon’s multicolored bamboo imagery onto the two operational sides of a practical vertical blind, creating a monumental spatial apparatus. As the blinds open and close mechanically over time, the chromatic verticals open and shut passages—between here and there, inside and outside, the living and the dead, reality and virtuality. A new dimension of space emerges where boundaries and distinctions are continuously undone. The historical image of the Seven Sages of the Bamboo Grove, who retreated into a utopian forest removed from worldly affairs, is re-situated within our contemporary reality.
The “Line of Flight” (biseon, 飛線), as Kwon names it, draws on Gilles Deleuze’s philosophical concept while also evoking the ascending curves of traditional Korean hanok eaves, ceramics, and the form of the beoseon (traditional socks). The line extends into and dissolves within space, functioning as a deconstructive force that dismantles the divisive gaze of modernity—a gaze that strictly separated self and other, I and world. The line traverses boundaries of tradition and modernity, East and West, creating fissures through which new pictorial possibilities may emerge. Binary oppositions of the modern paradigm entangle and dissolve through this line. Here and now, tradition manifests in layered and multivalent forms—this is how tradition gains vitality. Kwon continues to reveal the existential state of Korean painting today, remembering and honoring traces of its identity and authenticity while persistently pursuing a genuine harmony between tradition and the contemporary.
— Lee Geon-su (1965–), M.A. in Aesthetics, Seoul National University; former Editor-in-Chief of Monthly Art; Curator of the 2014 Busan Biennale Special Exhibition; Artistic Director of the 2021 & 2023 Jeonnam International Ink Biennale; former adjunct professor at Sejong University; author of Seeking Oneness (2010), Editorial (2011), The Skin of Art (2017), among others.