전통 회화의 해체와 색채 조형의 전복 

 

《색죽色竹 - 비선飛線》은 전통 동앙화에서 상징적 의미를 지닌 대나무와 오방색을 현대적으로 재해석 

하여 디지털시대의 색채와 구조， 참여형 설치 개넘을 결합한 실험적 프로젝트이다. 작가는 전통적으로 

수묵과 일필휘지의 필획으로 표현되던 대나무 회화의 관념을 전복하고 ‘색으로 된 대나무’라는 새로 

운 개념， 즉 색죽(色竹， Chromatic Verticals)을 제시한다. 여기서 대나무는 먹선으로 그려지는 평면 회 

화의 대상이 아니라 입체적이고 색면화된 구조물로 재탄생한다. 이는 형식적 변주를 넘어， 전통에 내 

재된 정신성과 구조를 재조명하고 회화의 시간성과 공간성을 현대적으로 확장하는 시도이다. 오방색 

의 철학에서 출발해 작가의 수작업으로 조합된 540여 종의 컬러는 디지털 밑그림과 손의 감각이 결합 

된 방식으로 설계되며 이는 동양화의 정신적 전통을 해체하고 동시에 계승하는 과감한 미학적 시도다. 

이 과정에서 전통 서화의 핵심이었던 일필휘지의 필획은 해체되고 대신 디지털 언어의 특성인 모듈화 

(Modularity)와 정확성(Precision)을 갖춘 색면 디자인이 그 자리를 대신한다 감성의 붓놀림은 기호적 

구조로 변형되며， 전통회화는 디지틸시대에 적합한 새로운 조형 언어로 발전한다. 

 

수직성과 곡선의 공존: 공간 속 조형 언어 

 

설치물의 형상은 대나무의 근본적인 미학인 수직성과 바람에 휘는 곡선의 특성을 입체적 설치 구조로 

공간에 구현한다 수직성은 규격화， 기계성， 사회적 압력을 은유하며， 곡선은 억압으로부터 탈주하고 

소통하고자 하는 인간의 의지를 상징한다. 두 조형 언어의 공존은 현대인의 심리적 긴장과 균형을 시 

각화한 구조다 상반된 두 힘의 공존은 현대인의 내면 심리를 은유하며， 조형적으로 긴장과 균형의 미 

를 창출한다. 전시장 구조는 관람객의 이동을 작품의 일부로 설계한다. 관람객은 막다른 벽과 열리는 

틈， 직선과 곡선을 넘나들며 차단과 탈주， 고립과 소통의 상반된 감정을 공간 속에서 물리적으로 체힘 

한다. 전시공간은 시각적 이미지를 넘어 신체와 감각을 통해 사유하는 철학적 공간이 된다. 색죽은 감 

각의 회화이자 공간의 언어로 기능하며 고전적 미학과 현대적 심리의 접점을 탐색한다. 

 

전통의 계승을 넘어 디지털 시대의 조형 실험으로 

 

색죽 프로젝트는 전통회화가 지닌 절학과 미학을 인공지능 시대에 재구성 가능한 예술 언어로 확장한 

다. 수묵화의 흑백 정신을 색채와 구조로 변형하고 디지털적 조형 시스템과 결합함으로써 동양화는 여 

전히 살아 있는 예술의 본질임을 입증한다. 특히 프로젝트의 제목이기도 한 ‘비선(飛線)’이라는 개념은 

본 프로젝트의 조형적 절학을 응축한다. 공중을 가로지르며 비상하는 선(線)으| 이미지인 비선은 대나 

무의 탄성과 곡선이 만들어내는 공중적 선율이며 동시에 한옥의 처마， 한복의 자락， 도자기의 곡선 등 

전통 조형의 기억을 불러일으킨다 한국적 선의 조형언어를 현대 미디어로 번역한 사례라 할 수 있다. 

전통 오브제들과의 조형적 연상 작용을 통해 한국적인 공간 미감의 현대적 번역을 시도한다. 

 

결론: 전통과 기술， 감성과 구조가 만나는 새로운 회화 

 

《색죽 - 비선》은 전통과 현대， 감성과 기호， 평면과 공간， 수묵과 디지털， 인간성과 기계성， 참여와 명 

상이 교차하는 복합적 조형 실험이다. 본 전시는 회화의 개념을 색채와 구조， 공간과 감각， 참여와 철 

학의 차원으로 확장함으로써 21세기 한국미술의 새로운 지평을 여는 제안이자 실천이다. 

 

사비나미술관 학예연구실 

2025 

 

 

 

Chromatic Verticals - Line of Flight 

 

Reconfiguring Tradition and Reversing the Logic of Color and Form 

 

Chromatic Verticals - Line of Flight is an experimental project that reinterprets the bamboo 

motif and the five traditional colors-symbols deeply rooted in East Asian painting-through 

a contemporary lens. It brings together the chromatic and structural sensibilities of the digital 

era with a participatory installation format. Rather than following the ink-based， calligraphic 

brushwork traditionally used to depict bamboo， the artist overturns that convention by 

proposing the concept of “bamboo made of color，" or chromatic vertcals (色竹). Here， bambo 

is no longer a subject rendered in brush and ink on a flat surface. It becomes a spatial 

structure realized as three-dimensional planes of color. This approach does more than vary the 

form; it reframes the spiritual and structural foundations embedded in tradition and expands 

the temporal and spatial language of painting into a contemporary idiom. Drawing on the 

philosophy of the five traditional colors， Kwon assembles more than 540 hues by hand. These 

colors are designed through a hybrid process that combines digital drafting with the sensory 

intuition of the hand. This dual method intentionally dismantles and inherits the conceptual 

lineage of East Asian ink painting. In this process， the once-central notion of the spontaneous， 

unbroken brushstroke is taken apaη and replaced by color-field designs grounded in modularity 

and precision， qualities closely associated with digital visual language. Gesture gives way to 

symbolic structure， and traditional painting evolves into a new formal vocabulary suited to the 

digital age. 

 

The Coexistence of Verticality and Curvature: A Spatial Language 

 

The installation translates the essential aesthetics of bamboo-its upright form and wind 

bent curves - into a sculptural， spatial environment. Verticality becomes a metaphor for 

standardization， mechanical order， and social pressure， while curvature embodies the human 

desire to break free and communicate. Their coexistence visualizes the tension and equilibrium 

that shape contemporary psychological experience. These opposing forces echo the inner 

landscape of modern life and produce a formal beauty rooted in both conflict and balance 

The exhibition layout incorporates the viewer’s movement as an integral part of the work. As 

visitors encounter dead ends and openings, straight passages and courved ones， theyphysically

experience states of blockage and escape， isolation， and connection. The exhibition space thus 

becomes not only visual but also philosophical-an environment that invites reflection through 

the body and senses. Chromatic Bamboo functions simultaneously as a painting of sensations 

and a language of spatial exploration， tracing the meeting point of classical aesthetics and 

contemporary psychology. 

 

Beyond Inheritance: A Formal Experiment for the Digital Age 

 

The Chromatic Bamboo project expands the philosophical and aesthetic frameworks of 

traditional painting into an artistic language that remains viable in the age of artificial intelligence 

By transforming the monochromatic ethos of ink painting into a system of color and structure， 

and by integrating it with digital design principles， the work affirms the continued vitality of East 

Asian painting. The notion of flying lines (飛線)， which appears in the project’s title， encapsulates 

its formal philosophy. Evoking lines that Iift and sweep across space， this concept represents 

the airborne resonance of bamboo’'s elasticity and curvature. At the same time， it recalls the 

eaves of traditional hanok houses， the flowing hems of hanbok garments， and the gentle 

contours of ceramics. It is a translation of Korean linear aesthetics into a contemporary media 

vocabulary. Through these visual associations with traditional objects， the work attempts a 

modern reinterpretation of Korean spatial sensibility 

 

Conclusion: A New Painting at the Intersection of Tradition and Technology 

 

Chromatic Verticals - Line of Flight is a multifaceted formal experiment in which tradition 

and modernity， emotion and code， surface and space， ink and digital logic， humanity and 

mechanism， participation and contemplation intersect. By expanding the idea of painting into 

the realms of color， structure， space， sensation， participation， and philosophical inquiry， this 

exhibition proposes and enacts a new horizon for Korean art in the twenty-first century. 

 

Curatorial Team of the Savina Museum of Contemporary Art 

2025