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2008 Solo show, Parkryusook gallery

조회 수 12119 추천 수 0 2010.10.09 21:32:28

4 seasons
Kwon Ki Soo
12.2~29.2. 2008
Parkryusook Gallery

If a certain message meant by a sender is not restructured by its receiver in a communication, then that communication is regarded as a failure. However, even in such a failed communication, restructuring of meaning occurs. This is to say that a sign does not possess one singular meaning, and, instead, can have multiple meanings. In particular, a sign represented by a symbol is essentially of multiple meanings, and accordingly a communication using such signs of multiple meanings could become a failure anytime.

In response to such a communication of message signifiant so called, 'Dongguri' by Kwon, Ki-Soo attempts to communicate with spectators through Roland Gerard Barthes' denotation (a subject directed by Dongguri) and connotation(another internal existence given to Dongguri). It provides a room for different interpretations among the spectators because, if one look at it with a superficial observation, it has a structure that seems light but is quite elaborated on one hand and it possesses the accuracy that does not allow even a minute error on the other hand. However, Kwon, Ki-Soo's Dongguri does not fail in the communication even under such a condition because it uses signifiant originated strictly from Asian way of thinking.

This Dongguri may be speculated through different subjective interpretations by the spectators, and this allows the existences of new signifies that expand continuously. According to the interpretation by Ryu, Cheol-Ha, a researcher of Woljeon Art Gallery's Arts and Sciences Research Center, the images represented by signifiant as shown on the Kwon, Ki-Soo's work reveals internally the violence stemming from a suppressed force, relationship, and a realization of social status. Therefore, if one regards knives, guns, and bats as potential violence, then flowers could be regarded as a will to harmonize, cooperate and reconciliate. Kim, Ki-Yong, the director of Alternative Space Art Space Hue, pointed out in "Symbols' images and aesthetic reemergence" that Kwon, Ki-Soo's symbolic images remind one of the accidential nature and the emptiness of a meaning and lost objects and subjects.

The reason why the Dongguri's smile is interpreted as the violence or the loss of the self seems to be due to his works in "The Show", his first exhibition held in Gwanhoon Gallery in 1998. A crowd in black costumes in his work represents a way of expressing the social suppression and confusion in identity.

The same applies to the Dongguri's image in the initial period. It is smiling but the grotesque and speedy nature of the brush touch on the drawing is revealing the gloominess. The works of Kwon, Ki-Soo, who then was researching many things while immersed in a deep thinking about the contemporary political and social conditions, have evolved to the present works of his.

The smile of Dongguri is meant to be the warm and gentle facial expression unique to Korean placid smile. Korean buddhist statues wear contemplating and faint smiles on their faces, being different from Chinese buddhist statues of authoritative atmosphere, and also from Japanese counterparts which are sweet and charming. By adopting such subtle and placid smile, it became a representative and symbol for a person who has escaped from the impressions of the cuteness and the playfulness.

Kwon, Ki-Soo's work should be explored in the context different from American-style illustrations. From the old days budd has have weared faint smiles, carrying the impression of benevolent bodhisattva. It is said, "Dongguri's smile may be considered as a Korean signifiant." Such an evolvement cannot be interpreted as the violence or the lost selfness as in the past.

It is because the effort was exerted to explore the Asian culture itself in the global main stream, not tied to the social oppression imposed by Korea as a group. Kwon, Ki-Soo studies the entities that are thoroughly Asiatic and Korean, saying, "Symbols were studied seriously in the Western academia, but they have been developed much more in Asia because its characters are of hieroglyphic condensing symbols into the letters. For example, the Westerners would not have been able to even imagine the symbol into which a book of paintings such as Gyejawon was condensed as a whole."

In the Far East, it was not that important how the representation is done, but it is more important how well a painting can exhibit the internal expressional ability, and accordingly, the painting works have shown strongly the element of image-to-perception conversion. In order to interpret such an Asian element in the modern way, Kwon, Ki-Soo represents the flowers and bamboo trees, which represent an ume flower, by long stick shapes of various colors, starting from the plum, orchid, chrysanthemum and bamboo, which are the four gracious plants in Asian paintings, after evolving through simplifying process to convert it to a symbol.

One of the reasons why the spiritual exploration into the Asian ideology has been deepened is related to the Western material called acrylic. He was treated as a heretic because he used the Western painting materials to draw Asiatic paintings. To him it is not important what kinds of substances and materials are to be used, or in what way the expression is made.

A fact that he uses the silk-screen technique or a Western material called varnish does not have anything to do with his ideology. Therefore, he tries harder to approach his works spiritually. His works possess the meaning of overlays as they are prepared through the silk-screen as the base and applying then additional touches amounting to ten layers or more, while differentiating the sense of colors strictly and without an inch of false step.

The change from the Chinese ink to acrylic shows materialistic difference even though the both are of black color. As the pronoun for the difference he draws most of Dongguris in black color. Such a work, which is sublimated through spiritual exchange, is trying to represent the free state void of all the bindings of the human's mundane world, and is corresponding to the state of Buddhist emancipation.

The reconversion to broad mental vision that looks around the overall oriental thought in such a Korean society status ensures to present the course to his identification problem. Pop art series works which are named as Korean pop, the pop of Korea, K-pop, etc. Among them, Kwon, Ki-Soo thinks that Korean specific features should be considered rather than indiscrete acceptance. First of all, he recognized that English pop arts indicate an attribute of popular culture critical to existing standards and customs with its social critical intention, and American pop arts has the specific feature that attacks the eliticism of pure high quality art by using the repetitive description, voluntary color seasoning, and subject matters in everyday life. Kwon, Ki-Soo thought that his works fit into a category of pop art in view of dichotomy between the pure art and popular art ,and destruction of the hierarchical structure. And he begins to accommodate an ume flower and bamboo with a thought of the root within a genre of so called pop art. At the same time, the five colored venerable oriental colors emerge in his works with falling into children innocence. However, he sublates Dongguri to be used as a terminology of character, because he does not like that his works are analyzed to be only a pop art. Target objective that remind a character product really secures the popular image and acts the expression and reproduction to be enabled. However, he thinks that the negation of uniqueness and destruction of originality are not future oriented. Instead, he issues his own image, so called Dongguri so that he secures his own field. He who excludes a fundamentally presented character in the play and wants to accept his works like he directs “like actors not the cast of play”, succeeds genealogy of the modern pop art and secures his own field at the same time.

In this Kwon, Ki-Soo exhibition, his embroidery works are newly shown under such a background. Bedclothes in the life means the Korean everyday life, and is an expression of naturally grazing feeling so called the skinship in the relationship between man and man. Particularly, in connection with a subtitle of the exhibition, <4 seasons>, he considers that the form so called mat+blanket+sheet is frequently used in Korea where four seasons exist, and makes his works by handicraft. Like the work so called Dongguri, which is used to be misconceived as a character, he shows an endless spirit of inquiry against media by absorbing the bedclothes and handicraft things so called the embroidery into his works.

- Kim, Soo-Jung (Curator in Parkryusook Gallery)



4 seasons-권기수 展
12.2~29.2. 2008
Parkryusook Gallery

송신자가 목표한 의미 작용이 수신자에게도 동일하게 일어나지 않는다면 커뮤니케이션은 실패한 것이다. 특히 상징으로 표시되는 기호는 본질적으로 다의적이며, 의도했던 의미와 다르게 전달될 가능성을 가지고 있다. 하지만 실패한 커뮤니케이션에도 의미 작용은 역시 일어난다. 이것은 기호가 단일 의미만을 갖는 것이 아니며 다의성을 띄면서 여러 가지로 해석될 수 있음을 보여주는 것이기도 하다.

권기수의 '동구리'라는 기표signifiant는 이러한 의사소통에 대응하여 롤랑 바르트Roland Gerard Barthes의 외시denotation(동구리가 직접 지시하는 대상)와 공시connotation(동구리에 주어진 또 다른 내재적 의미)로 관객과의 의사소통을 시도한다. 언듯 보기에 가벼워 보이면서도 치밀한 구성과 한치의 오차도 허용하지 않는 정확성은 관객들에게 서로 다른 해석의 여지를 주고 있다. 그렇지만 이러한 상황에서도 권기수의 동구리가 커뮤니케이션에 실패하지 않는 이유는 철저하게 동양적인 사고방식에서 시작된 기표를 사용하기 때문이다.

이러한 동구리는 각기 사람마다 주관적 해석에 따른 유추가 가능하며, 그것에 따라 계속해서 확장해가는 새로운 기의들이 존재한다. 류철하(월전미술관 학예연구원)의 해석에 의하면 권기수의 작품에 등장하는 기호화된 이미지는 억압된 힘, 관계 그리고 사회적 위치의 자각에서 나오는 폭력성을 잠재적으로 드러내는 것이다. 그리하여 칼, 총, 몽둥이가 잠재적 폭력성이라면 꽃은 화합, 협력, 융화하려는 의지로 볼 수 있다고 하였다. 김기용(대안공간 아트스페이스 휴 디렉터)은 「기호 이미지와 심미적 재현」에서 권기수의 기호이미지는 의미의 우연성과 텅빔을, 대상의 실종과 주체의 실종을 상기시킨다고 하였다. 이렇게 동구리의 미소가 폭력성이나 주체의 상실로 해석되는 이유는 1998년 관훈 갤러리에서 그의 첫 개인전인 〈The Show〉의 작업 때문이라 보인다. 검은 복장을 한 인물들의 군상은 사회의 억압과 정체성의 혼란에 대한 표현방법이기 때문이다. 초창기 동구리의 이미지 같은 경우도 마찬가지다. 웃고는 있지만 드로잉의 붓터치가 괴기스러움과 속도감으로 인해 음울함을 나타내고 있다. 당시 정치적 사회적 상황에 대한 심도 깊은 생각으로 많은 것을 연구하고 있었던 권기수의 작업은 현재의 작업으로 발전했다.

동구리의 웃고 있는 미소는 한국 특유의 고졸한 미소를 띈 온화한 표정을 의미한다. 한국 부처상은 위엄있는 중국이나 아기자기한 일본의 것과는 다른 관조적이면서도 온화한 미소가 있다. 이러한 미묘하면서 고졸한 미소를 차용하면서‘귀엽다. 장난스럽다.’를 벗어난 사람에 대한 대명사이자 상징으로써 만들었다. 권기수는“미국식 일러스트레이션illustration과는 다른 맥락에서 의미를 파악해야 할 것이다. 예로부터 부처는 옅은 웃는 미소를 지니며 인자한 보살의 느낌을 가지고 있었다. 동구리의 미소는 하나의 한국적 기표라고 볼 수 있다.”라고 말한다. 이와 같은 발전은 더 이상 앞서 해석되었던 폭력성이나 주체의 상실로써 해석되기는 힘들다. 한국이라는 집단의 사회적 억압에 얽매인 것이 아닌 세계적 흐름 중 동양이라는 문화 자체를 파악하려 하기 때문이다. 권기수는“기호가 학문화 된 것은 서양이지만, 동양은 고대부터 문자 자체가 하나의 기호를 축약한 상형문자이므로 훨씬 발전되어 있다. 예를 들면 계자원 화집과 같은 도상을 하나의 덩어리로 만들어 놓은 기호는 서양에서 생각하지 못한 것이다.”라고 하며 철저하게 동양적이고 한국적인 것에 대한 탐구를 한다. 극동아시아에서 재현은 얼마만큼 잘 되었는지가 중요한 것이 아니고, 내면 표현력을 얼마만큼 담은 그림을 그릴 수 있는지가 중요했기 때문에 사의적(寫意的)인 요소가 강하게 나타났다. 그러한 점을 현대적으로 해석하고자 동양화의 매난국죽이라는 사군자 도상은 단순화 과정을 거쳐 하나의 기호로 만든다. 작품에서의 꽃은 매화를 뜻하며, 대나무는 여러 가지 색의 긴 막대모양으로 표상한다.

이렇게 권기수가 동양사상에 대한 정신적 탐구에 대한 깊이를 더하게 된 요인 중 하나는 아크릴이라는 서양화적 물질에 대한 이질성 때문이라고 본다. 그는 서양화의 물질로 동양화를 표현하는 작가로 초기에는 동양화단의 이단으로 취급되기도 했다. 그렇지만 그에게 있어서 어떤 재료나 물질을 사용해야 하는지, 어떤 방식으로 표현을 했는지는 중요하지 않았다. 실크스크린의 기법을 응용한다거나, 아크릴이라는 서양의 재료를 사용한다는 것이 그의 사상을 대변해주지 않기 때문이다. 그렇기 때문에 그는 더욱 정신적으로 작품에 다가가려 노력한다. 실크스크린이라는 밑 작업 이후, 덧칠을 10번 이상 하면서 철저하게 색감을 구분하여 한 치의 오차도 없이 그리는 그의 작업은 ‘중첩’의 의미를 가진다. 수묵화의 먹이라는 재료에서 아크릴이라는 변화는 같은 검정색임에도 불구하고 물질적 차이를 보인다. 그 차이의 대명사로 대부분의 동구리를 검은 색으로 그린다. 이러한 정신적 교감으로의 승화된 작품은 결국 인간의 속세적인 모든 속박으로부터 벗어나 자유롭게 되는 상태를 나타내고자 하며 그것은 불교적 용어의 해탈의 상태와 같다.
이렇게 한국 사회적 상황에서 동양사상 전체를 살펴보는 폭넓은 시야로의 전환은 그의 정체성 문제에도 확실한 방향성을 제시하고 있다. 코리안 팝, 한국의 팝, K-pop등 여러 이름으로 불리고 있는 팝아트 계열의 작품들. 그 사이에서 권기수는 무분별한 수용보다는 한국적인 특징을 만들어야 한다는 생각을 한다. 그는 우선 영국의 팝아트가 사회비판적 의도를 가지고 기존의 규범이나 관습에 대해 비판적이며 대중문화의 속성을 나타내고 있고, 미국의 팝아트가 반복적으로 묘사, 임의적인 색채 가미, 일상적인 생활 소재의 사용으로 순수고급예술의 엘리티시즘을 공격하는 것이 특징임을 인지했다. 권기수는 순수예술과 대중예술이라는 이분법적, 위계적 구조를 파괴하는 측면에서 자신의 작품이 팝아트의 범주 안에 들어간다고 생각했다. 그리고 팝아트라는 장르 안에서 뿌리에 대한 생각을 하며 매화, 대나무를 차용하기 시작한다. 동시에 동심 속으로 빠져 들어가는 오색창연한 동양적 색채가 나오게 된다. 그렇지만 그는 그의 작품이 팝아트라는 범주로만 보이는 것에 경계를 하며, 동구리가 캐릭터라는 용어로 쓰이는 것을 지양한다. 캐릭터상품을 연상하게 하는 대상물은 사실 대중적인 이미지 확보를 하면서 표현과 복제가 가능한 것으로 작용한다. 그렇지만 그는 유일무이성의 부정과 오리지널리티 파괴라는 것이 미래지향적이 아니라고 생각하며, 대신 동구리라는 고유 이미지를 내놓음으로써 자신만의 영역을 확보하고 있다. 연극에서 기초적으로 제공되는 성격을 배제하고‘배역이 아닌 배우처럼’연출을 하 듯, 작품을 받아들이고 싶다는 그는 현대 팝아트의 계보를 이으면서 동시에 자신만의 영역을 확보한다.

이번 권기수 전시에서는 이러한 배경아래 자수 작업을 새롭게 선보인다. 생활 속의 이불이라는 의미는 한국적 일상생활을 의미하며 사람과 사람사이의 관계에서 스킨쉽이라는 자연스럽게 스치는 느낌에 대한 표현이다. 특히 전시의 부제인 〈4 seasons〉와 연관해 계절이 많은 우리나라에서 침대 매트+담요+홑겹이라는 형식이 많이 들어간 것을 생각하며 수공예로 작품을 만들어낸다. 캐릭터로 오인되곤 하는 동구리라는 작업과 마찬가지로, 이불과 자수라는 공예품적인 것을 작품으로 흡수시킴으로써 끝없는 매체에 대한 탐구심을 보여주고 있다. ■ 김수정

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